Описание на презентацията по отделни слайдове:

1 слайд

Описание на слайда:

Духовно и светско песенно изкуство. Вокалните жанрове и тяхното развитие в свещената и светската музика от различни епохи Изпълнява: учител по музика MBOU "Средно училище № 2" в Олекминск RS (Y) Андреева Олга Петровна

2 слайд

Описание на слайда:

Духовно песенно изкуство Свещената музика (нем. geistliche Musik, италиан. musica sacra, англ. sacred music) са музикални произведения, свързани с текстове от религиозен характер, предназначени за изпълнение по време на църковна служба или в ежедневието. Свещена музика в тесен смисъл означава църковна музика на християните; в широк смисъл свещената музика не се ограничава до придружаващото богослужение и не се ограничава до християнството. Текстовете на произведения на сакралната музика могат да бъдат както канонични (например в Реквиема на В. А. Моцарт), така и свободни (например в мотетите на Гийом дьо Машо), ​​написани въз основа или под влияние на свещени книги (напр. християни - Библията).

3 слайд

Описание на слайда:

Средновековието в историята на музикалното изкуство - както и на цялата художествена култура на човечеството - е изключително сложен и противоречив етап. Повече от 1000 години от Средновековието за музикалното изкуство означават дълга и много интензивна еволюция на музикалното мислене - от монодия - монофония - до най-сложните форми на полифония. През този период се формират и усъвършенстват много музикални инструменти, възникват музикални жанрове - от най-простите форми на хорова монофония до многочастни полифонични жанрове, които съчетават както вокално, така и инструментално звучене - маса, страсти.

4 слайд

Описание на слайда:

Изключително значение в развитието на духовната музика придобиват монашеските певчески и композиторски школи. В техните дълбини се развива специална, цифрова естетика на музиката, която е част от 7-те „свободни изкуства“, наред с математиката, реториката, логиката, геометрията, астрономията и граматиката. Разбрана като цифрова наука, музиката за средновековната естетика е проекция на математиката върху звуковата материя.

5 слайд

Описание на слайда:

Православно духовно пеене Знаменният песнопение е древна руска монофонична традиция на литургичното пеене. Знаменният песнопение се заражда и процъфтява на руска земя, в Руската църква. Той най-пълно отразява молитвените чувства на руската душа, която стои пред Бога. Знаменното пеене се основава на древната византийска певческа култура, която ние приехме заедно със самата Христова вяра още при Свети княз Владимир. Но Знаменният песнопение не е просто интерпретация на гръцкото пеене в руски стил, това е цялостна духовна и музикална система, плод на катедралното творчество на Света Рус, песен на Бога на Божия народ.

6 слайд

Описание на слайда:

Тропар гръцки. Τροπάριον - в православната църква - кратко молитвено песнопение, в което се разкрива същността на празника, прославя се свещен човек и се призовава на помощ. Тропар в канона - строфа след ирмоса, с пеене на стихове според неговия (ирмос) мелодико-ритмичен модел

7 слайд

Описание на слайда:

Партесното пеене (от къснолатински partes - части [от полифонична музикална композиция], гласове) е вид руска църковна и концертна музика, полифонично хорово пеене, което се използва в униатското и православното богослужение сред руснаци, украинци и беларуси. Най-важният жанр на партесното пеене е партесният концерт.

8 слайд

Описание на слайда:

Стихира гръцка. στιχηρὰ, от старогръцки. στίχος - поетична линия, стих), в православното богослужение - химнографски текст със строфична форма, обикновено посветен на стиховете на псалма (оттук и името). Стихирите съдържат темата на деня или запомнено събитие. Броят на стихирите зависи от празничността на службата. Строфите нямат фиксирана поетична форма и варират в широки граници от 8 до 12 реда. Мелодията на стихира, като правило, обхваща една строфа.

Слайд 9

Описание на слайда:

Литургията (на гръцки λειτουργία - „служба“, „обща кауза“) е най-важната християнска служба в историческите църкви, по време на която се извършва тайнството Евхаристия. В западната традиция думата "литургия" се използва като синоним на думата "поклонение"

10 слайд

Описание на слайда:

Всенощно бдение или всенощно бдение е служба, която се извършва вечерта в навечерието на особено почитани празници. Тази служба се нарича всенощно бдение, защото в древността е започвала късно вечерта и е продължавала цяла нощ до зори. Самият Господ Иисус Христос често посвещава нощните часове на молитва: „Бдете и се молете - каза Спасителят на апостолите, - за да не паднете в изкушение“. И апостолите се събраха през нощта да се молят. По време на епохата на гоненията християните също провеждаха служби през нощта. В същото време и до днес в повечето църкви в Русия всенощното бдение се служи в нощта срещу празниците Света Великден и Рождество Христово; в навечерието на някои празници - в атонските манастири, в Спасо-Преображенския Валаамски манастир, включително в православната катедрала Олекмински Спаски.

11 слайд

Описание на слайда:

Хорал Когато папа Григорий I нарече монодията „основната“ църковна музика, той едва ли е предполагал каква кариера очаква хорала, който получава името григориански. Григориански песнопение (латински cantus Gregorianus; английски Gregorian chant, френски chant grégorien, немски gregorianischer Gesang, италиански canto gregoriano), григориански песнопение, cantus planus - литургична монодия на Римокатолическата църква

12 слайд

Описание на слайда:

Месата (лат. missa) в смисъла на музикалния термин най-често се разбира като жанр на църковна полифонична музика, основана на обикновени молитвени текстове на католическата меса. Първоначално такива меси са били съставени от композитори за украса на божествената служба. Върхът на развитието на полифоничната маса е втората половина на 15 - началото на 17 век. В днешно време композиторите, като правило, замислят масата веднага като завършена концертна композиция, без никаква връзка с богослужението.

Слайд 13

Описание на слайда:

Всъщност първата школа по полифония е парижката певческа школа в катедралата Нотр Дам (от средата на 12-ти до средата на 13-ти век), чиито най-големи майстори са Леонин и Перотин. По-нататъшното развитие на многословието се свързва с имената на френските музиканти от епохата Ars nova, Филип дьо Витри и Гийом дьо Машо.

Слайд 14

Описание на слайда:

Светско песенно изкуство Свещената (духовна) и светската (светска) сфери на музиката се основават на различни образни системи. Центърът на светската сфера беше образът на земния човек в цялото многообразие на неговия земен живот. На първо място, това се отразява в песенното и поетичното изкуство на пътуващите музиканти. Тази нова тенденция на светско музициране - стояща, така да се каже, между собствения фолклор и сакралното музикално изкуство - се формира за първи път в Прованс - през 9-11 век. и след това се разпространява в цяла Европа. В различни европейски страни тези пътуващи музиканти се наричат ​​по различен начин: трубадури на юг, trouvères в северна Франция, minnesingers и spielmans в Германия, hoglars в Испания. Принципите на тяхното творчество, гамата от образи и теми бяха до голяма степен еднакви. Всички те бяха в едно лице поети, певци, жонгльори, магьосници и изпълнители на много музикални инструменти.

15 слайд

Описание на слайда:

Изкуството на пътуващите музиканти е генетично свързано с фолклорната традиция, от една страна, и с развитието на образованието и културата на рицарството, от друга. От 9 век. синовете на влиятелни господари се обучават в манастири, където, наред с други науки, се учат на пеене и музикална теория. По този парадоксален начин сакралната сфера на духовния живот в себе си ражда ново светско изкуство. В съответствие с традициите на рицарството - и като реакция на аскетизма на християнската доктрина - земната чувствена любов се превръща във въображаем център на новата светска музика. Но в същото време каноните на християнския морал оставят своя отпечатък върху тълкуването на тази несъмнено новаторска за музикалното изкуство тема. Пътуващите музиканти възприемат любовта като идеалистична, несподелена, безнадеждна, изцяло основана на безусловна лоялност към дамата на сърцето им. Скитащият музикант никога не е очаквал да намери отговор на любовта си в този свят; само смъртта може да му донесе избавление от любовните мъки; само в друг, по-висш свят той може да намери покой.

16 слайд

Описание на слайда:

Изкуството на пътуващите музиканти, на първо място, беше фокусирано върху личността, индивидуалността и в резултат на това имаше фундаментално монофоничен характер. Монофонията - за разлика от предимно хоровия характер на сакралната музика - се дължи и на традицията на най-фините вокални нюанси на поетичния текст. Мелодията на песните на странстващите музиканти беше изключително гъвкава и причудлива. Но в същото време ритъмът е практически канонизиран - което ясно разкрива влиянието на канонизираната сакрална музика - и се определя от поетичния метър. Имаше само 6 разновидности на ритъма - така наречените ритмични режими и всеки от тях имаше строго фиксирано образно съдържание.

Материали за урок 7 клас 3 четвърт

Музикална драматургия – развитие на музиката.

Музикална драматургия– отразяване на музикалните образи в движение, развитие, преплитане и борба на противоречиви начала (противоречия).

Начини за развитие на музиката:

1. Повторение, повторения - триделна форма ( AVA), рондо форма (AVASADA), куплетна форма.

2. Вариация –вариационна форма, сонатна форма (разработка, реприза).

Видове вариация - последователност, имитация.

Последователност (от латински приемственост)– преместване на мотив, повтаряне на поредица от звуци на различна височина, във възходяща или низходяща посока.

Имитация (от латински имитация) – повторение на тема или мотив в различен глас от музикално произведение (полифонично представяне – канон или фуга).

Две направления на музикалната култура .

Музикалната култура се развива във взаимодействието на две основни направления: светско и духовно (църковно).

Светската музика в своя произход се опира на народната песенна и танцова култура.

Свещената музика винаги е била свързана с богослужението.

Духовна музика.

ДА СЕОбластта на духовната музика включва предимно вокални или вокално-инструментални произведения, базирани на текстове с религиозен характер, изпълнявани по време на църковна служба.

Църковната музика винаги се обръща към темите на Светото писание. Драматургията на образите на страданието, смъртта и възкресението на Христос е в основата на развитието на сакралната музика. В църковната обредност музиката и словото в единство с другите видове изкуство определят целостта на драматичното действие, изградено върху контрастите на различни образи. В източната православна църкваТова литургия и всенощно бдение, венчавка и молебен, чийто произход се крие знаменен напев . В западната католическа църква- меса, реквием, страсти, кантатии т.н. Те се основават на - хорал, полифонично пеене в съпровод на орган или оркестър.

Религиозните теми и форми на църковната музика преобладават в творчеството на немския композитор Й.-С. Бах и руския композитор М. Березовски. Бах най-често пише музика за орган и хор, А Березовски - за хор а капелаБлагодарение на полифонията, основната идея на всяка от техните композиции получава дълбоко и многостранно развитие. Съдържанието на припева "Kyrie, eleison!" от "High Mass" от J.-S. Бах и 1-ва част от духовния концерт „Не ме отхвърляй на стари години“ от М. Березовски се разгръща в перфектна полифонична форма - фуга.

Светска музика.

Светската музика е музика, свободна от влиянието на църквата.

От 16 век започва да се развива камерна музика(от лат. camera - стая). Така че, за разлика от църквата и театъра, те наричат ​​инструментална или вокална музика. От средата на 18в. Засилва се светският концертен живот, освободен от влиянието на църквата. Увеличава се броят на оркестрите, ансамбълите и соловите концерти. В произведенията на виенските класически композитори - Хайдн, Моцарт, Бетовен и други - се формират класически видове инструментален ансамбъл - соната, трио, квартет и т.н.

Написана за малка група изпълнители, камерната музика се изпълнява у дома или в дворовете на знатни благородници. Изпълнителите, които работеха в придворни ансамбли, се наричаха камерни музиканти. Постепенно камерната музика започва да се изпълнява не само в тесен кръг от ценители и меломани, но и в големи концертни зали.

Има разнообразие от камерни вокални и инструментални миниатюри от романтични композитори от 19 век. Те включват песни от Ф. Шуберт, песни за пиано без думи от Ф. Менделсон, капризи от Н. Паганини, валсове, ноктюрни, прелюдии, балади от Ф. Шопен, романси от М. И. Глинка, пиеси от П. И. Чайковски и много други.

Камерна инструментална музика

Етюд

Етюд (от френски проучване, упражнение) - Това е парче, предназначено да подобри техниката на свирене на инструмент. Това понятие се среща и в живописта: етюдът е скица, скица на бъдеща картина.

През 19 век, с разцвета на виртуозното изпълнение и усъвършенстването на музикалните инструменти, се развива нов жанр - концертни етюди. Техническата им трудност е подчинена на разкриването на художествения замисъл на композитора.

И сега са популярни изследвания на романтични композитори, чието изкуство прониква във всички кътчета на човешкото сърце.

Видни представители на романтизма са полският композитор Фредерик Шопен (1810-1849) и унгарският композитор Франц Лист (1811-1886). И двамата бяха отлични пианисти. Шопен спечели признанието на слушателите в светските салони, а Лист - в големите концертни зали.

В етюдите на Шопен има романтична мечта за чувства, които издигат човек - това са мисли за любов, съзерцание на природата и революционен патос.

Лист се стреми да доближи звука на пианото до звука на оркестър. Неговите скици съдържат принципите на скритото програмиране, фигуративния и художествен стил на рисуване. По времето на Лист е имало мнение, че много етюди са невъзможни за изпълнение поради невероятната им техническа трудност.

Транскрипция

Терминът транскрипция (от латинско пренаписване) означава обработка, аранжиране на музикални произведения. Транскрипциите се появяват през 16-17 век. като обработка на нотни текстове за изпълнение на други инструменти. През 19 век транскрипциите се превърнаха в един от най-популярните концертни виртуозни жанрове със самостоятелно художествено значение.

От една от транскрипциите на руския композитор от 19 век. Вече познавате М. Балакирев. Това е пиеса за пиано, написана по темата на известния романс на М. И. Глинка „Чучулигата“.

Широка популярност придобиват клавирните транскрипции на Ф. Лист. Неговите умения на виртуозен пианист са високо оценени от съвременниците му. "Когато Лист свири", каза немският писател Г. Хайне, "вече не мислите за преодоляването на трудностите, пианото изчезва и музиката се разкрива пред нас." Прави транскрипции за пиано на девет симфонии на Л. Бетовен. Лист пише: „Ако изпълня задачата си да ги направя достъпни на нивото на опитен гравьор или интелигентен преводач, тогава целта ми ще бъде постигната.“ Изследванията на Лист върху капризите на Паганини бяха изключително популярни. Именно Лист привлича вниманието на Рахманинов и Лутославски към „Каприз №4“ на Паганини.

Лист идолизира музиката на австрийския композитор Шуберт, виждайки в нея най-висшия израз на лирическата поезия в звуците. Сред клавирните транскрипции на Лист са известни произведения на Шуберт като „Горският цар“, „Серенада“, „Пъстърва“, „Аве Мария“ и др.

Известният италиански пианист и педагог Феручо Бузони (1866-1924) продължава традицията за създаване на транскрипции, оказвайки значително влияние върху развитието на пианистичното изкуство в Европа. В своите транскрипции той, подобно на Лист, се обърна към произведенията на много композитори.

Изпълнението на Бузони беше сравнено или с произведения на живописта, или с големи катедрали. Слушайки го, те говореха за „цветни платна“, „фрески“, „звукови скулптури“ в неговата „игра, изваяна като мрамор“. Всичко в изпълнението на Бузони създаваше впечатление за брилянтна импровизация - и това беше основната му сила!

Циклични форми на инструменталната музика

"Concerto grosso" от А. Шнитке

Сюити, инструментални концерти, сонати, симфонии отнасят се до циклични форми на музика. Към тези форми са се обръщали както композитори от миналото, така и нашите съвременници.

Музиката на изключителния руски композитор А. Шнитке е изповедта на човек от съвременността, който е попил опита на няколко века - от 17-ти до 20-ти век. Свободното съчетаване на минало и настояще е характерно за неговата музика. Привличане на музикални цитати. полистилистика (умишлено съчетаване на различни стилистични явления в едно произведение) са характерни за А. Шнитке. Благодарение на това обръщането към музиката на този композитор разширява нашето разбиране за единството на света и човешката култура.

Концертът за две цигулки, клавесин и камерен оркестър от А. Шнитке носи древното име „Concerto grosso” (в превод от италиански – голям концерт). В този концерт отношенията между солистите и оркестъра са същите като в древните инструментални концерти на Бах и Вивалди. Партиите на солистите не доминират в оркестъра, а са подчинени на някакъв по-висш ред, на по-висша връзка с оркестъра.

Композиторът посвети концерта си на своите приятели и първите изпълнители на тази музика, цигуларите Гидон Кремер и Татяна Гринденко. „При композирането на концерта не само ги чух, но и видях как свирят... Сценичното им поведение доставя естетическа наслада на слушателите и зрителите.“

Композиторът противопоставя волевата, целенасочена основна тема на 5-та част с темата за друг свят - зъл, враждебен. „Подутини“, които изкривяват звука на чистите тембри на цигулката, се възприемат от слушателите като нахлуване на сили, противопоставящи се на дейността на основната тема.

"Сюита в стар стил" от А. Шнитке.

Суит (от френски ред, последователност) съществува от 16 век. и се отнася до многочастни циклични форми на инструментална музика, точно като соната и симфония, които се появяват по-късно. Сюитата може да се сравни с колекция от разкази, за разлика от симфонията - по-динамична, цялостна, подобна на роман. Сюитата се състои от няколко самостоятелни части - танци, обикновено контрастиращи помежду си и обединени от обща художествена концепция.

През първата половина на 18 век, когато клавирното изкуство достига своя връх, сюитите се превръщат в музика за слушане. Те започват да се предхождат от прелюдии и включват инструментални арии. Появяват се сюити, състоящи се от програмни картинни пиеси.

През втората половина на 18 век, по времето на Хайдн, Моцарт, Бетовен, сюитата вече се възприема като нещо старомодно. Макар и леки, забавни оркестрови произведения от виенски класици (divertimentos, serenades) са написани под формата на апартаменти, например познатото „Рондо“ от „Малка нощна серенада“ от W. A. ​​​​Mozart.

През 19 век модата на апартамента беше възродена. Руски композитори от 19 век. композирал и сюити. Познавате отделни пиеси от сюитата за пиано „Картини от изложба” от М. Мусоргски, симфоничната сюита „Шехерезада” от Н.А. Римски-Корсаков, сюита за оркестър "Моцартиана" от П. И. Чайковски. Той е първият, който създава сюити от балетна музика. Те започват да звучат независимо от театъра, като самостоятелни симфонични произведения. През 20 век възникнаха сюити от филми.

- G.P.Sergeeva-E.D.Kritskaya „Музика” 7 клас;

Историческата епоха, която замени Древния свят, се нарича Средновековие. Започва с падането на Рим (476 г.) и продължава повече от хиляда години. През това време възникват значителна част от европейските народи и държави и се формират най-важните черти на европейската култура.

Разпадът на Римската империя завършва през 5 век сл. н. е. д. след завладяването му от варварски племена, дошли от северните покрайнини. Войните, епидемиите, гладът и опустошенията съпътстват формирането на феодализма в Европа.

Постепенно в средновековна Европа се установява нова религия — християнството. Произхождайки от Юдея, която е била част от Римската империя, новото учение действа като конфронтация със злото и насилието. Новата религия проповядва идеята за всеобщото равенство на хората пред Бога, идеята за прошката и най-важното - донесе утеха на страдащите и потиснатите. С течение на времето това хуманно учение спечели голям брой привърженици в различни страни.

Образът на Исус Христос се превърна в недостижим идеал за християнина. Постоянното желание за духовен идеал и неговата непостижимост през живота носят в себе си противоречив принцип, характерен както за мирогледа на средновековния човек, така и за изкуството от онова време.

Културата и изкуството от онази епоха са пряко свързани с религията и църквата. Изкуството на Средновековието - църковна архитектура, скулптура, икони, мозайки и стенописи, изпълващи храмовото пространство - е подчинено на задачите на християнското богослужение. На музиката беше отредена може би най-трудната роля; тя трябваше да помогне на поклонника да се откъсне от ежедневните грижи, да забрави за личните чувства и да се концентрира изцяло върху това, което му разкриват библейските текстове и църковните тайнства. За тази цел служат песнопения, основните характеристики на които дълго време остават монофонията (певците едновременно изпълняват една мелодия) и липсата на инструментален съпровод. Монофонията, според авторите на песнопения, е най-добрият начин за изразяване на важни теологични идеи: тя е символ на един Бог и една Църква. Звукът на музикалните инструменти имаше силно въздействие върху чувствата на човека, което Църквата се опитваше да избегне.

До началото на 13в. Църковната музика се създава почти изключително в манастирите. При композирането на песнопението монахът стриктно спазва каноните (правилата) и традициите и не се стреми да създаде произведение, което да се различава от предишните образци. Той не се е смятал за автор, защото единственият творец според неговото разбиране е Бог. Композиторът виждаше задачата си като нещо друго: да осъществи Божия план. Може би точно този мироглед обяснява факта, че по-голямата част от музикалните произведения от тази епоха са анонимни.

До 13 век полифонията се установява в европейската музика. Тя не само носеше духовни идеи (като монофония), но и разкриваше богатството на човешката мисъл. Полифонията възниква под значително влияние на схоластиката (от гръцки „scholasticos“ - „училище“, „учен“) - тенденция в теологията, която твърди, че човешкият ум може в определени граници да разбира и обяснява истините на вярата. Центрове на схоластичното богословие стават не манастири, а университети; По правило музикалният живот е концентриран в големите университетски градове.

В католическата традиция важна роля в богослужението играе от 7 век. Органът започна да свири, последван от други инструменти. Православната музика остава вярна на монофонията много по-дълго от католическата; В православните храмове все още не се допуска звуците на инструменти.

От края на 12в. Започва да се развива светската музика, свързана с рицарската любовна лирика. Ежедневните жанрове на инструменталната музика (предимно танц) също са широко разпространени през Средновековието.

МУЗИКА НА СРЕДНОВЕКОВНА ЕВРОПА

Традициите на западноевропейската църковна музика датират от 4-5 век. Ранният етап на тяхното формиране се свързва с дейността на богослова и проповедника Свети Амвросий от Милано (около 340-397 г.) - той е един от първите, които съставят химни за богослужения. Амвросий е отговорен за важно нововъведение в практиката на църковната музика - разделянето на хора на две композиции, разположени от противоположните страни на олтара. Актьорите се редуваха да пеят музикални фрагменти между молитвените текстове. Такива фрагменти се наричаха антифони (от гръцки „антифонос“ - „звучащ в отговор“), а принципът на тяхното изпълнение, базиран на редуването на два хора, се наричаше антифонно пеене. Постепенно към най-важните текстове се присвояват строго определени антифони, музиката за които се създава въз основа на вече съществуващи и добре познати кратки мелодии и песнопения. Броят на антифоните, както и броят на песнопенията, нарастват с течение на времето и за певците става все по-трудно да ги запазят в паметта. Ето защо в самото начало на VIIв. целият натрупан материал беше въведен в системата и събран в обширна колекция, наречена Григориански антифонарий. Името се свързва с името на папа Григорий I (около 540-604 г.). Колекцията на папа Григорий става основа за развитието на един от стиловете на европейската църковна музика - григорианския хорт.

Всички григориански песнопения са строго монофонични. Гласовете на певците трябва да се слеят в едно цяло до такава степен, че звукът на хора да е възможно най-близък до звука на гласа на един човек. Музикалните средства са насочени към решаване на основната задача - да предадат специално състояние, когато мислите на молещия се са насочени към Христос, а чувствата са приведени в идеален баланс, носейки просветление и вътрешен мир на душата. Музикалните фрази на песнопенията – разтегнати, лишени от резки скокове в мелодията, завладяващи с равномерността на ритъма – носят дълбоко спокойствие и същевременно премерено, съсредоточено движение. Те предават вътрешната, молитвена работа на душата в общуването с Бога и са в съвършена хармония с архитектурата на католическата църква, всички детайли на която подчертават едно и също равномерно движение - в права линия от входа към олтара.

Григорианската музика се основава на принципа на диатониката (от гръцки "diatonicbs" - "разтегнат") - гама, изградена върху звуците на гамата без повишения или понижения. Имаше специална система от църковни диатонични режими, която дойде в Европа от Византия и имаше древен произход.

Общият брой на праговете - осем - имаше дълбок духовен смисъл. Той се разглежда като продукт 2x4, където първото число означава двойната, богочовешка същност на Исус Христос, а второто - четирите края на кръста. Така системата на григорианския режим символизира разпнатия Христос.

Връзката между музика и текст е изградена по особен начин. Основава се на две техники, дошли в пеенето от древната традиция на пеене на молитви. Един от тях се нарича псалмодия(използван при четене на псалми): за един музикален звук имаше една сричка от текста. Друг трик - годишнина(от латински, jubilatio - „радост“) - се състои в това, че една сричка се пее на няколко звука. Григорианското песнопение гъвкаво комбинира и двете техники.

През 9 век се появява друг вид григорианско песнопение - последователностПървоначално последователността беше допълнение към юбилея на Алилуя. По-късно, за по-добро запаметяване на мелодиите, последователностите започнаха да се подреждат и те получиха второ име - проза. Има предположение, че литературният термин „проза“ произхожда от традицията на подтекст на древни григориански песнопения. Превърнали се в самостоятелни църковни мелодии, най-известните поредици са популярни и в ежедневието. Две средновековни поредици заемат силно място в творчеството на европейските композитори до 20 век: тази поредица Dies irae(за Страшния съд) и последователност за празника на седемте мъки на Мария - Стабат Матер.

От началото на 10 век полифонията започва да прониква в църковната музика. Първите му форми са църковни песнопения, изпълнявани на два гласа. Принципът на изпълнение на ранната полифония беше следният: към основната мелодия на григорианското песнопение, което се наричаше Cantus firmusили тенорвтори и по-късно трети глас е добавен отгоре (импровизиран или записан).

Типът ранни двугласи се нарича лента, тъй като и двата гласа често звучаха в паралелно движение в идеални четвърти и пети. От гледна точка на законите на средновековната музика такова паралелно движение е нормата на звука, за разлика от правилата на по-късната класическа хармония. Разчитането на съвършеното съзвучие се обяснява с факта, че тъй като са първите в серията обертони, тези интервали са по-лесни и по-удобни за настройка при вокално изпълнение.

Развитието и сложността на формите на църковните песнопения изискват по-напреднал музикален запис. В григорианската музика е разработена специална система за запис на песнопения. Първоначално те са били обозначени с невми (от гръцки „pneuma” - „дъх”) - конвенционални знаци, които предават общата посока на развитие на мелодията. Невербален запис наподобяваше синопсис, в който са посочени само основните точки, а изпълнителят трябва сам да знае подробностите.

Две линии (обикновено с различни цветове) бяха начертани една над друга, показвайки височината на основните звуци, а невмите бяха написани около или директно върху тези линии.

В началото на 11в. Музикантът и теоретик Guido от град Apeuuo (около 992 - около 1050) прави революция в системата за запис, като въвежда още две линии. Невмите започват да се поставят на четири реда и между тях, което показва височината на звуците много по-точно и по-подробно. Четириредовата система се превърна в прототип на съвременната музикална нотация, базирана на пет линии.

Приблизително по същото време се появяват имена на основните звуци - Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La. Това бяха началните срички на първите шест думи от латинския химн, написан от монаха Павел Дякон в чест на апостол Йоан (той се смяташе за покровител на църковното пеене). По-късно сричката Ut е заменена със сричката Do. За един звук се появи друго име - Si (образувано от първите букви на фразата Sancte lohanne - „Свети Йоан“).

От 12 век Григорианските песнопения започват да се записват в т.нар. хорална или квадратна нотация. Този запис дава специфична индикация за височината на тона, но не отразява ритмичната страна на музиката.

Появата на полифонията и последващото развитие на вокалната полифония предполагат звученето на няколко мелодични гласа с различен ритъм. Това изискваше точно ритмично фиксиране на всеки звук. Затова през 13 век се появява мензурална нотация, в който на всеки звук беше зададена необходимата продължителност в момента.

Още през 11 век в църковния живот се е развила циклична форма, която и до днес е най-важната част от католическото богослужение. Става дума за Литургията, превърнала се в неразделна част както от ежедневните, така и от празничните служби. Месата се изпълнява на латински и има редица задължителни песнопения. Следните пет свещени песнопения са станали канонични:

Kyrie eleison - Господи помилуй

Gloria in excelsis Deo – Слава на Бога във висините

Credo in unum Deum – Вярвам в един Бог

Sanctus Dominus Deus Sabaoth - Свят е Господ Бог на Силите и Benedictus qui venit in nominee Domini - Благословен е този, който идва в името на Бог

Agnus Dei qui tollis peccata mundi – Агнец Божий, който отнема греховете на света

Първите меси са едногласни и се изпълняват без инструментален съпровод. В ранните литургии се разграничават два вида пеене: псалмодично - подобно по характер на речитативното, и химнично - по-мелодично. В звученето на разделите Gloria и Credo все повече се утвърждава мелизматичен стил на изпълнение, близък до юбилея. Основният музикален материал за ранните литургии е григорианското песнопение. Започвайки от 14 век, вече в полифоничните меси, григорианските песнопения се използват като Cantus firmus и се поставят в тенор.

Общността участва в изпълнението на ранните меси, така че интонациите на народните песни проникват в много от песнопения. В по-късни времена композиторите също понякога използват мелодиите на светските песни с каноничния текст на молитвите като Cantus firmus. Такива маси се наричаха пародийни или пародийни маси. Първоначалното значение на думата "пародия" е заемане. Църковните власти се отнасят двусмислено към навлизането на светските жанрове в църковната музика. Понякога това предизвикваше протест срещу нейната секуларизация, понякога се разглеждаше като средство за привличане на миряните към църквата.

От 12 век един от водещите жанрове на църковната и отчасти светската вокална музика се превръща в мотет.За първи път гласовете на момчетата започнаха да се включват в изпълнението на мотети, заедно с гласовете на мъжете. Полифонията породи такива музикални жанрове като дирижиране и мотет. В жанра на диригента (от латински conductus - „лидер“) са създадени духовни и светски произведения, които придружават церемониални шествия и шествия; текстове за диригенти са написани на латински. В мотет (фр. motet, от mot - „дума“) всеки глас имаше свой собствен текст, а понякога текстовете за гласовете бяха написани на различни езици. Мотетите, подобно на диригентите, се използват както в духовната, така и в светската музика.

И така, развитието на григорианското песнопение през Средновековието преминава от един глас (монодия) до доста сложни 2-, 3-, 4-гласови форми в органуми, диригенти и мотети. Появата на вокалната полифония постави задачата да се класифицират певческите гласове. Спецификата на техните имена отразяваше височината на гласовете спрямо тенора – основния глас. В допълнение към тенора имаше глас, наречен контратенор - разположен срещу тенора. В представяне с три гласа, в зависимост от позицията си, този глас се наричаше или контратенор - алтус(глас над тенор), или контратенор – бас(глас под тенор). В четири гласа се обади най-високият глас дискантус– т.е. „движение нагоре от темата (тенор).“ От тези имена с течение на времето се появиха обичайните обозначения за гласовете на хоровата партитура: дискант (по-късно сопран), алт, тенор, бас.

С течение на времето майсторите започнаха активно да използват музикални инструменти, за да придружават полифоничното пеене. В творчеството на френския композитор Гийом дьо Машо (около 1300-1377 г.) вокалите понякога се дават само на главния глас, а всички останали гласове са инструментални. Този майстор особено често използва подобна техника в светски произведения.

Формирането на жанрове и форми на светската музика се извършва на основата на народната традиция. Много е трудно да се изучава, тъй като песните и танците рядко се записват. Но някаква представа за тях все още може да се формира, преди всичко от градския фолклор. Основните изпълнители на народна музика в градовете били пътуващи актьори.

Те се представиха в няколко роли едновременно: и като музиканти, и като танцьори, и като майстори на пантомима, и като акробати; разиграха кратки сценки. Такива актьори участват в театрални представления, които се провеждат по улиците и площадите - в мистерии, карнавални и шутовски представления и др. Отношението на Църквата към тях е доста предпазливо. „Човек, който пуска ... мими и танцьори в къщата си, не знае каква голяма тълпа от нечисти духове влиза зад тях“, пише в края на 8 век. духовен наставник на император Карл Велики, абат Алкуин. Страховете на църковните водачи не бяха толкова безпочвени, колкото понякога изглежда. Достигналите до нас образци от песни и танци на Spielmann (скитащи немски актьори и музиканти), прости по форма, изпълнени с ярки, празнични интонации, носят огромен заряд от бурна, чувствена енергия, която лесно може да се събуди в хората не само радост, но и суров инстинкт за разрушение. Народното творчество въплъщава както светлите, така и тъмните страни на душата на средновековния човек - необуздаността, суровостта, способността лесно да забравя високите духовни идеали на християнството.

Разцветът на професионалната светска музика през 12-13 век. свързана преди всичко с културата на рицарството - военната аристокрация на европейското средновековие. До средата на 12 век в Прованс, една от най-богатите и културно интересни провинции на Франция, се формира творчеството на поети и певци - трубадури. Думата „трубадур“ произлиза от провансалския израз art de trobas – „изкуството на композирането“ и може грубо да се преведе като „изобретател“, „писател“.

В музикално отношение творчеството на трубадурите вероятно е било сериозно повлияно от народните традиции. Но те придадоха по-голяма мекота и изтънченост на откритите, често дръзки народни интонации. Ритъмът на композициите, дори и в бързи темпове, поддържа редовност и благодат, а формата се отличава с дълбока замисленост и пропорционалност.

Трубадурската музика се предлага в различни жанрове. Епически произведения нар песни за делата(на френски: chansons de geste). Те обикновено са написани въз основа на текстове от „Песен на Роланд“ - епична поема (12 век), разказваща за кампаниите на Карл Велики и трагичната съдба на неговия верен рицар Роланд. Идиличните сцени от селския живот бяха разказани от нежни и нежни герои. пастирчета(от френския pas-tourelle - „овчарка“). (По-късно въз основа на тях ще възникне пасторал – художествено произведение, показващо единството на човека с природата.) Има и песни с нравствено съдържание – тензони(от френското напрежение - „напрежение“, „натиск“).

Въпреки това, основната тема в музиката и поезията на трубадурите остават любовните теми, а основният жанр е "песни на зората"(Френски шансони 1 "aube). Като правило те пеят за сладкия момент от нощната среща на рицар с неговата Красива дама. Мелодиите на песните пленяват със своята гъвкавост и изящно ясна композиция. Те обикновено са изградени на кратки, често повтарящи се мотиви, но тези повторения не винаги се забелязват: те са толкова майсторски свързани помежду си, че създават впечатление за дълга, непрекъснато променяща се мелодия. Това усещане е значително улеснено от звука на старофренския език с неговите дълги гласни и меки съгласни.

Трубадуриса били хора от различен произход - както обикновени хора, така и аристократи (например херцогът на Аквитания Гийом IX, барон Бертран дьо Борн). Въпреки това, независимо от социалната принадлежност, всички те показаха идеалната любов на мъж и жена, хармонията между чувственото и духовното в отношенията им. Идеалът на любимата на рицаря-трубадур е земна жена, но със своята чистота, благородство и духовност тя трябва да прилича на Дева Мария (често в описанието на Красивата дама се усеща подтекстът - скрития образ на Богородица) . В отношението на рицаря към Дамата няма дори сянка на чувствена необузданост (много характерна за морала на епохата), това е по-скоро благоговейно възхищение, почти преклонение. При описанието на такива взаимоотношения поезията на трубадурите открива поразително фини нюанси, а музиката се стреми точно да ги предаде.

Друг интересен феномен на професионалната светска култура на Западна Европа е творчеството Trouvères, певци и поети от Шампан, Фландрия, Брабант (част от територията на съвременна Франция и Белгия). Думата "трувер" е близка по смисъл до името "трубадур", но произлиза от старофренския глагол trouver - "да намеря", "измислям", "съчинявам". За разлика от трубадурите, труверите са по-близки до градския живот, по-демократични във формите си и разцветът на тяхното творчество настъпва през втората половина на 13 век, когато рицарството започва постепенно да избледнява на заден план в социалния живот. Особено популярен бил майсторът от град Арас Адам де ла Хале (известен като Адам ле Босу, около 1240 г. - между 1285 и 1288 г.). Той композира любовни песни и драматизирани сцени, които обикновено са придружени от музика (виж статията „Средновековен театър на Западна Европа“). Близко до изкуството на френските трубадури е творчеството на немските рицарски поети и музиканти - минезингерите (на немски: Minnesinger - "певец на любовта"). Най-известните са Волфрам фон Ешенбах (около 1170 - около 1220) и Валтер фон дер Фогелвайде (около 1170-1230). Изкуството на минезингерите предизвиква толкова голям интерес, че през 1207 г. дори се организира състезание между тях в град Вартбург. Събитието по-късно формира основата на популярен сюжет в романтичната литература и музика; по-специално това състезание е описано в операта „Танхойзер” на немския композитор Рихард Вагнер.

Основната тема на творчеството на минезингерите, подобно на трубадурите, е любовта, но музиката на техните песни е по-строга, понякога дори сурова, концентрирана и изпълнена с отражения, а не със страстни чувства. Мелодиите на минезингерите пленяват със своята простота и лаконизъм, зад които се крие духовна дълбочина, която им позволява да се сравняват с най-добрите образци на църковната музика.

Тема на урока: Светска и духовна музика

Тип урок: урок за разширяване и задълбочаване на знанията

Целта на урока: да се разкрие същността на светската и духовната музика; култивирайте любов към музиката; развиват самостоятелност и активност; формиране на музикална култура.

По време на часовете:

ORG момент

Повторение на преминат материал.

С какви музикални жанрове се свързва понятието музикална драматургия? (опера, балет, оперета, мюзикъл, оратория, музикален филм и симфонична музика)

Какво означава Развитие?

Какви начини за развитие на музиката знаете (повторение, вариация, последователност, имитация)?

^ УЧЕНЕ НА НОВ МАТЕРИАЛ

Музикалната култура се развива във взаимодействието на две основни направления: светска и духовна, църковна. Светската музика в своя произход се опира на народната песенна и танцова култура. Свещената музика винаги е била свързана с богослужението.

Първите професионални музиканти - композитори, теоретици, изпълнители (певци, инструменталисти) - до 18 век, като правило, са служили като капелмайстори и органи в дворовете на монарси, принцове и архиепископи. Те можеха да общуват с широк кръг слушатели само в църквата.

Църковната музика винаги се обръща към темите на Светото писание. Драматургията на образите на страданието, смъртта и възкресението на Христос е в основата на развитието на сакралната музика. В църковната обредност музиката и словото в единство с другите видове изкуство определят целостта на драматичното действие, изградено върху контрастите на различни образи. В Източноправославната църква това е литургията и всенощното бдение, венчавката и молебенът, чийто произход се крие в знаменото песнопение. В западната, католическата църква - литургия, реквием, пасион, кантати и др. Те се основават на хорално, полифонично пеене в съпровод на орган или оркестър.

Библейското слово и неговото пречупване в мелодиите на църковните песнопения определят високата художествена и нравствена сила на въздействието на свещената музика. Религиозните теми и форми на църковната музика преобладават в творчеството на немския композитор Й.-С. Бах и руския композитор М. Березовски. Бах най-често пише музика за орган и хор, а Березовски – за акапелен хор. Благодарение на полифонията, основната идея на всяка от техните композиции получава дълбоко и многостранно развитие. Съдържание на припева „Kyrie, eleison!“ от “High Mass” от J.-S. Бах и 1-ва част от духовния концерт „Не ме отхвърляйте на стари години“ от М. Березовски се разгръща в перфектна полифонична форма - фуга.

Спомнете си мелодиите на свещената и светската музика, които са ви познати.

Слушайте и сравнете посочените хорове на Бах и Березовски.

Каква техника за развитие чувате тук? (имитация)

Каква роля играе техниката на имитация в развитието на музикалните образи?

^ Светска музика. От 16 век Започва да се развива камерната музика (от лат. Camera room). Така че, за разлика от църквата и театъра, те наричат ​​инструментална или вокална светска музика. От средата на 18в. Засилва се светският концертен живот, освободен от влиянието на църквата. Увеличава се броят на оркестрите, ансамбълите и соловите концерти. В творчеството на виенските класически композитори - Хайдн, Моцарт, Бетовен и др. - се формират класически видове инструментален състав - соната, трио, квартет и др.

Написана за малка група изпълнители, камерната музика се изпълнява в дома или в дворовете на знатни благородници. Изпълнителите, които работеха в придворни ансамбли, се наричаха камерни музиканти. Постепенно камерната музика започва да се изпълнява не само в тесен кръг от ценители и меломани, но и в големи концертни зали.

Има разнообразие от камерни вокални и инструментални миниатюри от романтични композитори от 19 век. Те включват песни от Ф. Шуберт, песни за пиано без думи от Ф. Менделсон, капризи от Н. Паганини, валсове, ноктюрни, прелюдии, балади от Ф. Шопен, романси от М. Глинка, пиеси от П. Чайковски и много други.

Затвърдяване и обобщение на урока

DZ повторете материала

Отличителни черти на църковното изкуство и светското (светско, светско).

И така, изкуството е специфична форма на отражение, овладяване на реалността или начин за изразяване в художествена форма на идеите, принципите и духовните стремежи на човек. От това следва, че в зависимост от това какви идеи, принципи и норми са в основата на мирогледа на човек, който отразява, изразява или овладява тази реалност в художествена форма, такава ще бъде природата на изкуството.

Ако мирогледът на човек и стремежите на неговата душа имат светски вектор, тогава резултатите от неговата творческа дейност ще имат светски или светски характер. В случаите, когато един майстор гледа на света не с плътски („плътски“) очи, а с „умни очи“ и има „умно виждане“ за света, както казаха отците, тогава резултатът от неговите творчески стремежи ще бъде обърнат към Твореца и пропит с Благодат. защото Църковно-християнското изкуство по своята същност отразява молитвения опит на човека и в зависимост от това колко дълбоко е това преживяване, колко е потопен в молитвата човек, неговото творчество ще бъде толкова духовно изразително и благодатно.

Нека анализираме съществените черти и природата на светското и църковно-християнското изкуство.

Трябва да се отбележи, че съвременните изследователи, задавайки въпроса за същността на изкуството като такова, настояват, че отъждествяването на изкуството с естетиката „ни се струва неприемливо, защото ако, от една страна, то опростява проблема, то от една страна, друго, то ограничава обхвата на естетическото изживяване, абстрахирайки и изолирайки реалността на изкуството” (Banfi. A. Philosophy of Art. M. Art. 1989. – P. 358). Но тази извънхудожествена основа, например, писателят Шилер и философът Спенсър виждат в игра . Спенсър разглежда игривата природа на изкуството като забавление причинени от необходимостта от възстановяване на физическата сила на човешкото тяло. За Шилер игривата природа на изкуството може да се сведе до „иронична диалектика за отпускане на духа“, един вид отвличане на вниманието от обичайната работа. Ето защо, както пише А. Банфи, „в изкуството като изразно средство има атмосфера чар , неестественост , нещо изкуствени , бих казал почти нещо магически , в което, както изглежда, само красотата трябва да се прояви за нас” (-С.34). Има и интересен извод, който авторът прави въз основа на анализирания материал: „Всяко произведение на изкуството е в известен смисъл вид идол, същият идол, който грешниците са изляли със собствените си ръце, за да му се покланят. ” (-P.35). И по-нататък: „Защото всяко произведение на изкуството е такова само поради чувството за духовност, което излъчва, поради откровението, което съдържа, откровение, което не се свежда до нито един аспект от света или личните ценности, а е отражение на присъствието в света и личността на духа, че по този начин той обозначава нов източник на своя идеален живот дух, присъстващ в света и индивида”, какви са задачите и каква е същността на изкуството? Оказва се, че сферата на духа за него е сферата на художествения живот: „Само в сферата на художествения живот художникът действа като художник, тоест творец: неговият чуден гений се състои именно в участието в това жизненоважно нужда, чужда на каквито и да е лични влечения, свободна от настроения публичен и идеално абстрактен схематизъм: в болезнено преследване на решаването на специфичните им проблеми” (-С.37). Ето защо изкуството има за източник живота и се „храни от него“. „Изкуството не познава други норми, други традиции, освен собствения си живот; не познава други проблеми, други решения, освен тези, които самият живот поставя пред художествената действителност в нейното непрекъснато развитие” (- С.38).

Така един светски майстор или светски анализатор на изкуството, без да отрича наличието на духовност и духовен вектор в изкуството, го вижда в спонтанното, непрекъснато развитие на живота като такъв, който се ръководи, подхранва и вдъхновява. Следователно, само чрез изучаване на законите и тенденциите в развитието на този живот, от гледна точка на светската мисъл, той може да бъде разбран, отразен, изразен. Колкото по-дълбоко един творец и мислител може да проникне в тайните на Вселената, на живота като такъв, толкова по-ярко ще може да го изрази и отрази. Това подчертава важността овладяване на методите и техниките за визуализация , както и развитието на личните качества и собствените усилия на твореца. Животът е многолик и богат и всеки го вижда през призмата собствен вкус, настроение . Ето защо още от Ренесанса (Ренесанса) беше толкова значимо и важно да се формира авторски стил, уникален почерк, който да показва уникалността на майстора и неговото творение. Така се превръща в норма да подпишете работата си от майстора или да посочите с помощта на символи кой е нейният автор. По този начин, в В светското изкуство външната изразителна форма е подчинена на откровението, разкрито на майстора и разкрито на света през призмата на неговите чувства и преживявания. Но естествено следствие от това състояние на духа е следната, добре позната тенденция в съвременното изкуство: колкото възгледи и настроения, толкова стилове, подходи, форми на изразяване. Следователно светското изкуство предлага разнообразие от форми , стилове и не може да си представи себе си извън това многообразие. Суета.