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Arte della canzone spirituale e secolare. Generi vocali e loro sviluppo nella musica sacra e secolare di epoche diverse Eseguita da: insegnante di musica MBOU "Scuola secondaria n. 2" a Olekminsk RS (Y) Andreeva Olga Petrovna

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Arte della canzone spirituale La musica sacra (tedesco geistliche Musik, italiano musica sacra, inglese musica sacra) è opere musicali associate a testi di natura religiosa, destinate all'esecuzione durante una funzione religiosa o nella vita di tutti i giorni. Per musica sacra in senso stretto si intende la musica sacra dei cristiani; in senso lato, la musica sacra non si limita ad accompagnare il culto e non si limita al cristianesimo. I testi di musica sacra possono essere canonici (ad esempio, nel Requiem di W.A. Mozart) o liberi (ad esempio, nei mottetti di Guillaume de Machaut), scritti sulla base o sotto l'influenza di libri sacri (per i cristiani - la Bibbia).

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Il Medioevo nella storia dell'arte musicale - così come dell'intera cultura artistica dell'umanità - è una fase estremamente complessa e controversa. Più di 1000 anni di Medioevo hanno significato per l'arte musicale una lunga e intensissima evoluzione del pensiero musicale - dalla monodia - monofonia - alle forme più complesse di polifonia. Durante questo periodo, molti strumenti musicali si formarono e migliorarono, emersero generi musicali - dalle forme più semplici di monofonia corale ai generi polifonici multiparte che combinano sia il suono vocale che quello strumentale - massa, passioni.

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Le scuole monastiche di canto e di composizione acquistano un'importanza eccezionale nello sviluppo della musica sacra. Nel loro profondo si è sviluppata una particolare estetica numerica della musica, che fa parte delle 7 “arti liberali”, insieme alla matematica, alla retorica, alla logica, alla geometria, all'astronomia e alla grammatica. Intesa come scienza numerica, la musica per l'estetica medievale era una proiezione della matematica sulla materia sonora.

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Il canto spirituale ortodosso Il canto Znamenny è un'antica tradizione monofonica russa del canto liturgico. Il canto Znamenny è nato e fiorito sul suolo russo, nella Chiesa russa. Riflette nel modo più completo i sentimenti di preghiera dell'anima russa mentre sta davanti a Dio. Il canto Znamenny si basa sull'antica cultura del canto bizantino, che abbiamo accettato insieme alla fede di Cristo stesso anche sotto il Santo Principe Vladimir. Ma il canto Znamenny non è solo un'interpretazione del canto greco in stile russo, è un sistema spirituale e musicale integrale, frutto della creatività cattedrale della Santa Rus', un canto al Dio del popolo di Dio.

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Tropario greco. Τροπάριον - nella Chiesa ortodossa - un breve canto di preghiera in cui si rivela l'essenza della festa, una persona sacra viene glorificata e chiamata ad aiutare. Troparion nel canone - una strofa che segue l'irmos, con canto di versi secondo il suo modello melodico-ritmico (irmos)

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Il canto Partes (dal tardo latino partes - parti [di una composizione musicale polifonica], voci) è un tipo di musica sacra e da concerto russa, canto corale polifonico, utilizzato nel culto uniate e ortodosso tra russi, ucraini e bielorussi. Il genere più importante del canto partes è il concerto partes.

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Stichera greca. στιχηρὰ, dal greco antico. στίχος - verso poetico, verso), nel culto ortodosso - un testo innografico di forma strofica, solitamente dedicato ai versi del salmo (da cui il nome). Le stichera contengono il tema del giorno o un evento ricordato. Il numero di stichera dipende dalla festività del servizio. Le strofe non hanno una forma poetica fissa e variano ampiamente da 8 a 12 versi. La melodia di una stichera, di regola, copre una strofa.

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La liturgia (greco λειτουργία - "servizio", "causa comune") è il servizio cristiano più importante nelle chiese storiche, durante il quale viene celebrato il sacramento dell'Eucaristia. Nella tradizione occidentale la parola "liturgia" è usata come sinonimo della parola "culto".

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Una veglia notturna, o veglia notturna, è un servizio che si svolge la sera alla vigilia di festività particolarmente venerate. Questo servizio è chiamato veglia notturna perché anticamente iniziava a tarda sera e continuava tutta la notte fino all'alba. Lo stesso Signore Gesù Cristo dedicò spesso le ore notturne alla preghiera: “Vegliate e pregate”, disse il Salvatore agli apostoli, “per non cadere in tentazione”. E gli apostoli si riunivano di notte per pregare. Durante l'era della persecuzione, i cristiani tenevano anche servizi notturni. Allo stesso tempo, fino ad oggi, nella maggior parte delle chiese della Russia, la notte prima delle vacanze della Santa Pasqua e della Natività di Cristo, viene servita una veglia notturna; alla vigilia di alcune festività - nei monasteri di Athos, nel monastero di Spaso-Preobrazhensky Valaam, inclusa la cattedrale ortodossa di Olekminsky Spassky.

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Corale Quando Papa Gregorio I chiamò la monodia la musica sacra “principale”, difficilmente poteva immaginare che tipo di carriera attendesse il corale, che ricevette il nome gregoriano. Canto gregoriano (latino cantus Gregorianus; inglese gregoriano, francese grégorien, tedesco gregorianischer Gesang, italiano canto gregoriano), canto gregoriano, cantus planus - monodia liturgica della Chiesa cattolica romana

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La messa (latino missa) nel significato del termine musicale è spesso intesa come un genere di musica polifonica sacra basata sui testi di preghiera ordinari della Messa cattolica. Inizialmente, tali messe venivano composte da compositori per decorare il servizio divino. Il culmine dello sviluppo della messa polifonica fu tra la seconda metà del XV e l'inizio del XVII secolo. Nei tempi moderni, i compositori, di regola, concepivano la messa immediatamente come una composizione da concerto completa, senza alcun collegamento con il servizio divino.

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In effetti, la prima scuola di polifonia fu quella parigina di canto della cattedrale di Notre Dame (dalla metà del XII alla metà del XIII secolo), i cui maestri più grandi furono Leonin e Perotin. L'ulteriore sviluppo della verbosità è associato ai nomi dei musicisti francesi dell'era dell'Ars nova, Philippe de Vitry e Guillaume de Machaut.

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Arte della canzone secolare Le sfere della musica sacra (spirituale) e secolare (secolare) erano basate su vari sistemi figurativi. Il centro della sfera secolare era l'immagine dell'uomo terreno in tutta la diversità della sua vita terrena. Innanzitutto, ciò si rifletteva nel canto e nell'arte poetica dei musicisti itineranti. Questa nuova tendenza della musica secolare, che si colloca, per così dire, tra il folclore propriamente detto e l'arte musicale sacra, si formò per la prima volta in Provenza, nei secoli IX-XI. per poi diffondersi in tutta Europa. In vari paesi europei, questi musicisti itineranti venivano chiamati in modo diverso: trovatori nel sud, trouvères nel nord della Francia, minnesingers e spielmans in Germania, hoglars in Spagna. I principi della loro creatività, la gamma di immagini e temi erano in gran parte gli stessi. Erano tutti in una sola persona poeti, cantanti, giocolieri, maghi e suonatori di molti strumenti musicali.

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L'arte dei musicisti itineranti era geneticamente connessa da un lato con la tradizione folcloristica e dall'altro con lo sviluppo dell'educazione e della cultura cavalleresca. Dal IX secolo. i figli di signori influenti venivano educati nei monasteri, dove, tra le altre scienze, veniva loro insegnato il canto e la teoria musicale. In questo modo paradossale, la sfera sacra della vita spirituale al suo interno ha dato vita a una nuova arte secolare. Secondo le tradizioni cavalleresche - e come reazione all'ascetismo della dottrina cristiana - l'amore sensuale terreno diventa il centro immaginifico della nuova musica mondana. Ma allo stesso tempo i canoni della morale cristiana lasciano il segno nell'interpretazione di questo tema, senza dubbio innovativo per l'arte musicale. I musicisti itineranti percepivano l'amore come idealistico, non corrisposto, senza speranza, completamente basato sulla lealtà incondizionata verso la donna del loro cuore. Il musicista errante non si sarebbe mai aspettato di trovare una risposta al suo amore in questo mondo; solo la morte avrebbe potuto liberarlo dai tormenti dell'amore, solo in un altro mondo più elevato avrebbe potuto trovare la pace;

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L'arte dei musicisti itineranti, prima di tutto, era focalizzata sulla personalità, sull'individualità e, di conseguenza, aveva un carattere fondamentalmente monofonico. La monofonia - in contrasto con la natura prevalentemente corale della musica sacra - era dovuta anche alla tradizione delle più fini sfumature vocali del testo poetico. La melodia delle canzoni dei musicisti erranti era estremamente flessibile e stravagante. Ma allo stesso tempo, il ritmo era praticamente canonizzato - il che rivela chiaramente l'influenza della musica sacra canonizzata - ed era determinato dal metro poetico. C'erano solo 6 varietà di ritmo - le cosiddette modalità ritmiche, e ognuna di esse aveva un contenuto figurativo rigorosamente fisso.

Materiali per la lezione 7a elementare 3o trimestre

Drammaturgia musicale: lo sviluppo della musica.

Drammaturgia musicale– riflessione di immagini musicali in movimento, sviluppo, intreccio e lotta di principi contraddittori (contraddizioni).

Modi per sviluppare la musica:

1. Ripetizione, ripetizioni - forma tripartita ( AVA), forma rondò (AVASADA), forma distico.

2. Variazione –forma di variazione, forma di sonata (sviluppo, ripresa).

Tipi di variazione: sequenza, imitazione.

Sequenza (dal latino sequenza)– spostare un motivo, ripetendo una sequenza di suoni a diverse altezze, in direzione ascendente o discendente.

Imitazione (dal latino imitazione) – ripetizione di un tema o motivo con una voce diversa di un'opera musicale (presentazione polifonica - canone o fuga).

Due direzioni della cultura musicale .

La cultura musicale si è sviluppata nell'interazione di due direzioni principali: secolare e spirituale (chiesa).

La musica secolare nelle sue origini si basava sulla cultura del canto e della danza popolare.

La musica sacra è sempre stata associata al culto.

Musica spirituale.

AIl campo della musica spirituale comprende principalmente opere vocali o vocale-strumentali basate su testi di carattere religioso, eseguite durante una funzione religiosa.

La musica sacra affronta sempre i temi della Sacra Scrittura. La drammaturgia delle immagini della sofferenza, della morte e della risurrezione di Cristo è la base per lo sviluppo della musica sacra. Nel rituale della chiesa, la musica e la parola, in unità con altri tipi di arte, determinano l'integrità dell'azione drammatica, costruita sui contrasti di varie immagini. Nell'est Chiesa ortodossa Questo liturgia e veglia notturna, matrimonio e servizio di preghiera, le cui origini giacciono canto znamenny . Nell'occidentale Chiesa cattolica- messa, requiem, passioni, cantate ecc. Si basano su - corale, canto polifonico accompagnato da un organo o da un'orchestra.

Temi religiosi e forme di musica sacra predominano nell'opera del compositore tedesco J.-S. Bach e il compositore russo M. Berezovsky. Bach scriveva musica molto spesso per organo e coro, UN Berezovsky - per coro a cappella Grazie alla polifonia, l'idea principale di ciascuna delle loro composizioni riceve uno sviluppo profondo e sfaccettato. Contenuto del coro "Kyrie, eleison!" da "Messa solenne" di J.-S. Bach e la prima parte del concerto spirituale “Non respingermi nella mia vecchiaia” di M. Berezovsky si svolge in una perfetta forma polifonica - fuga.

Musica secolare.

La musica secolare è musica libera dall'influenza della chiesa.

Dal XVI secolo inizia a svilupparsi musica da camera(dal latino camera - stanza). Quindi, a differenza della chiesa e del teatro, chiamano musica strumentale o vocale. Dalla metà del XVIII secolo. La vita concertistica secolare, libera dall'influenza della chiesa, si sta intensificando. Il numero di orchestre, ensemble e concerti solistici è in aumento. Nelle opere dei compositori classici viennesi - Haydn, Mozart, Beethoven e altri - si formarono tipi classici di ensemble strumentali - sonata, trio, quartetto e così via.

Scritta per un piccolo gruppo di esecutori, la musica da camera veniva eseguita nelle case o presso le corti dei nobili nobili. Gli artisti che lavoravano negli ensemble di corte erano chiamati musicisti da camera. A poco a poco, la musica da camera iniziò ad essere eseguita non solo in una ristretta cerchia di intenditori e amanti della musica, ma anche in grandi sale da concerto.

Esistono numerose miniature vocali e strumentali da camera di compositori romantici del XIX secolo. Questi includono canzoni di F. Schubert, canzoni per pianoforte senza parole di F. Mendelssohn, capricci di N. Paganini, valzer, notturni, preludi, ballate di F. Chopin, romanzi di M. I. Glinka, opere di P. I. Tchaikovsky e molto altro.

Musica strumentale da camera

Studio

Etude (dal francese studio, esercizio) - Questo è un pezzo progettato per migliorare la tecnica di suonare uno strumento. Questo concetto si ritrova anche nella pittura: uno studio è uno schizzo, uno schizzo di un futuro dipinto.

Nel 19° secolo, con il fiorire delle performance virtuosistiche e il miglioramento degli strumenti musicali, si sviluppò un nuovo genere: studi da concerto. Le loro difficoltà tecniche sono subordinate alla rivelazione dell'intento artistico del compositore.

E ora sono popolari gli studi di compositori romantici, la cui arte penetra in tutti gli angoli del cuore umano.

Rappresentanti di spicco del romanticismo sono il compositore polacco Frederic Chopin (1810-1849) e il compositore ungherese Franz Liszt (1811-1886). Entrambi erano ottimi pianisti. Chopin ha vinto il riconoscimento degli ascoltatori nei salotti secolari e Liszt nelle grandi sale da concerto.

Negli studi di Chopin c'è un sogno romantico di sentimenti che elevano una persona: questi sono pensieri d'amore, contemplazione della natura e pathos rivoluzionario.

Liszt cercò di avvicinare il suono del pianoforte al suono di un'orchestra. I suoi schizzi contengono i principi della programmazione nascosta, dello stile pittorico figurativo e artistico. Ai tempi di Liszt si credeva che molti studi fossero impossibili da eseguire a causa della loro incredibile difficoltà tecnica.

Trascrizione

Il termine trascrizione (dal latino riscrittura) significa elaborazione, arrangiamento di opere musicali. Le trascrizioni apparvero nei secoli XVI-XVII. come arrangiamento di testi musicali per l'esecuzione su altri strumenti. Nel 19 ° secolo le trascrizioni sono diventate uno dei generi virtuosistici da concerto più popolari con un significato artistico indipendente.

Da una delle trascrizioni del compositore russo del XIX secolo. Conosci già M. Balakirev. Questo è un pezzo per pianoforte scritto sul tema della famosa storia d'amore di M.I.

Le trascrizioni per pianoforte di F. Liszt hanno guadagnato ampia popolarità. La sua abilità come pianista virtuoso era molto apprezzata dai suoi contemporanei. "Quando Liszt suona", diceva lo scrittore tedesco G. Heine, "non si pensa più alle difficoltà da superare, il pianoforte scompare e la musica ci si rivela". Ha realizzato trascrizioni per pianoforte di nove sinfonie di L. Beethoven. Liszt scrisse: “Se adempio al mio compito di renderli accessibili al livello di un abile incisore o di un traduttore intelligente, allora il mio obiettivo sarà raggiunto”. Gli studi di Liszt sui capricci di Paganini furono estremamente popolari. Fu Liszt ad attirare l’attenzione di Rachmaninoff e Lutoslawski sul Capriccio n. 4 di Paganini.

Liszt idolatrava la musica del compositore austriaco Schubert, vedendo in essa la massima espressione della poesia lirica nei suoni. Tra le trascrizioni per pianoforte di Liszt ci sono opere famose di Schubert come "Il re della foresta", "Serenade", "Trout", "Ave Maria", ecc.

Il famoso pianista e insegnante italiano Ferruccio Busoni (1866-1924) continuò la tradizione di creare trascrizioni, avendo un'influenza significativa sullo sviluppo dell'arte pianistica in Europa. Nelle sue trascrizioni, come Liszt, si è rivolto alle opere di molti compositori.

La performance di Busoni è stata paragonata o alle opere di pittura o alle grandi cattedrali. Ascoltandolo si parlava di “tele colorate”, di “affreschi”, di “sculture sonore” nel suo “gioco scolpito come il marmo”. Tutto nell'esecuzione di Busoni dava l'impressione di una brillante improvvisazione - e questa era la sua forza principale!

Forme cicliche della musica strumentale

"Concerto grosso" di A. Schnittke

Suites, concerti strumentali, sonate, sinfonie si riferiscono a forme cicliche di musica. Sia i compositori del passato che i nostri contemporanei si sono rivolti a queste forme.

La musica dell'eccezionale compositore russo A. Schnittke è la confessione di un uomo dei tempi moderni, che ha assorbito l'esperienza di diversi secoli, dal XVII al XX secolo. La libera combinazione tra passato e presente è una caratteristica della sua musica. Attrarre citazioni musicali. la polistilistica (combinazione intenzionale di vari fenomeni stilistici in un'unica opera) è caratteristica di A. Schnittke. Grazie a ciò, rivolgersi alla musica di questo compositore amplia la nostra comprensione dell'unità del mondo e della cultura umana.

Il concerto per due violini, clavicembalo e orchestra da camera di A. Schnittke ha l'antico nome "Concerto grosso" (tradotto dall'italiano - grande concerto). In questo concerto il rapporto tra i solisti e l'orchestra è lo stesso degli antichi concerti strumentali di Bach e Vivaldi. Le parti dei solisti non dominano l'orchestra, ma sono subordinate ad un ordine superiore, ad un rapporto più elevato con l'orchestra.

Il compositore ha dedicato il suo concerto ai suoi amici e ai primi interpreti di questa musica, i violinisti Gidon Kremer e Tatyana Grindenko. "Durante la composizione del concerto, non solo li ho ascoltati, ma ho anche visto come suonavano... Il loro comportamento sul palco dà agli ascoltatori e agli spettatori un piacere estetico."

Il compositore contrappone il tema principale volitivo e propositivo del 5o movimento con il tema di un altro mondo: malvagio e ostile. Le “gonfiore” che distorcono il suono dei timbri puri del violino sono percepite dagli ascoltatori come un'invasione di forze che si oppongono all'attività del tema principale.

"Suite in stile antico" di A. Schnittke.

Suite (dalla fila francese, sequenza) esiste dal XVI secolo. e si riferisce a forme cicliche in più parti di musica strumentale, proprio come la sonata e la sinfonia emerse successivamente. Una suite può essere paragonata a una raccolta di racconti, a differenza di una sinfonia: più dinamica, integrale, simile a un romanzo. La suite è composta da diverse parti indipendenti: danze, solitamente in contrasto tra loro e unite da un concetto artistico comune.

Nella prima metà del XVIII secolo, quando l'arte del clavicembalo raggiunse il suo apice, le suite si trasformarono in musica da ascoltare. Cominciarono ad essere preceduti da preludi e includevano arie strumentali. Apparvero delle suite, costituite da rappresentazioni cinematografiche programmatiche.

Nella seconda metà del XVIII secolo, ai tempi di Haydn, Mozart, Beethoven, la suite era già percepita come qualcosa di antiquato. Sebbene le opere orchestrali leggere e divertenti dei classici viennesi (divertimentos, serenate) siano scritte sotto forma di suite, ad esempio il familiare "Rondo" da "A Little Night Serenade" di W. A. ​​​​Mozart.

Nel 19 ° secolo la moda per la suite è stata ripresa. Compositori russi del XIX secolo. composte anche suite. Conosci i singoli brani della suite per pianoforte “Pictures at an Exhibition” di M. Mussorgsky, la suite sinfonica “Scheherazade” di N.A. Rimsky-Korsakov, suite per orchestra "Mozartiana" di P.I. Ciajkovskij. Fu il primo a creare suite di musica per balletto. Cominciarono a suonare indipendentemente dal teatro, come opere sinfoniche indipendenti. Nel 20 ° secolo sono nate le suite dei film.

- G.P.Sergeeva-E.D.Kritskaya “Musica” 7a elementare;

L'era storica che sostituì il mondo antico è chiamata Medioevo. Cominciò con la caduta di Roma (476) e durò più di mille anni. Durante questo periodo emerse una parte significativa dei popoli e degli stati europei e si formarono le caratteristiche più importanti della cultura europea.

Il crollo dell'Impero Romano terminò nel V secolo d.C. e. dopo la sua conquista da parte di tribù barbariche provenienti dalla periferia settentrionale. Guerre, epidemie, carestie e devastazioni accompagnarono la formazione del feudalesimo in Europa.

A poco a poco, nell’Europa medievale si affermò una nuova religione, il cristianesimo. Originario della Giudea, che faceva parte dell'Impero Romano, il nuovo insegnamento fungeva da confronto con il male e la violenza. La nuova religione predicava l'idea dell'uguaglianza universale delle persone davanti a Dio, l'idea del perdono e, soprattutto, portava consolazione ai sofferenti e agli oppressi. Nel corso del tempo, questo insegnamento umano ha conquistato un gran numero di aderenti in diversi paesi.

L'immagine di Gesù Cristo è diventata un ideale irraggiungibile per un cristiano. Il costante desiderio di un ideale spirituale e la sua irraggiungibilità durante la vita portano dentro di sé un principio contrastante, caratteristico sia della visione del mondo di un uomo medievale che dell'arte di quel tempo.

La cultura e l'arte di quell'epoca erano direttamente legate alla religione e alla chiesa. L'arte del Medioevo - architettura ecclesiastica, scultura, icone, mosaici e affreschi che riempivano lo spazio del tempio - era subordinata ai compiti del culto cristiano. Alla musica è stato assegnato, forse, il ruolo più difficile; avrebbe dovuto aiutare il fedele a staccarsi dalle preoccupazioni quotidiane, a dimenticare i sentimenti personali e a concentrarsi interamente su ciò che gli hanno rivelato i testi biblici e i sacramenti della chiesa. A questo scopo servivano i canti, le cui caratteristiche principali rimasero per lungo tempo la monofonia (i cantanti eseguirono contemporaneamente una melodia) e l'assenza di accompagnamento strumentale. La monofonia, secondo gli autori dei canti, era il modo migliore per esprimere importanti idee teologiche: era un simbolo di un solo Dio e di una sola Chiesa. Il suono degli strumenti musicali aveva un forte impatto sui sentimenti di una persona, che è proprio ciò che la Chiesa cercava di evitare.

Fino all'inizio del XIII secolo. La musica sacra è stata creata quasi esclusivamente nei monasteri. Nel comporre il canto, il monaco ha seguito rigorosamente i canoni (regole) e le tradizioni e non si è sforzato di creare un'opera diversa dagli esempi precedenti. Non si considerava un autore, perché l'unico creatore nella sua comprensione era Dio. Il compositore vedeva il suo compito come qualcos’altro: realizzare il piano di Dio. Forse è proprio questa visione del mondo a spiegare il fatto che la stragrande maggioranza delle opere musicali di quest'epoca sono anonime.

Nel XIII secolo la polifonia si era affermata nella musica europea. Non solo portava idee spirituali (come la monofonia), ma rivelava anche la ricchezza del pensiero umano. La polifonia è nata sotto l'influenza significativa della scolastica (dal greco "scholasticos" - "scuola", "scienziato") - una tendenza teologica che sosteneva che la mente umana può, entro certi limiti, comprendere e spiegare le verità della fede. I centri della teologia scolastica non divennero monasteri, ma università; Di norma, la vita musicale era concentrata nelle grandi città universitarie.

Nella tradizione cattolica un ruolo importante nel culto è stato svolto sin dal VII secolo. L'organo cominciò a suonare, seguito da altri strumenti. La musica ortodossa rimase fedele alla monofonia molto più a lungo di quella cattolica; Il suono degli strumenti non è ancora consentito nelle chiese ortodosse.

Dalla fine del XII secolo. La musica secolare iniziò a svilupparsi, associata alla poesia d'amore cavalleresca. Nel Medioevo si diffusero anche i generi quotidiani di musica strumentale (principalmente danza).

MUSICA DELL'EUROPA MEDIEVALE

Le tradizioni della musica sacra dell'Europa occidentale risalgono al IV-V secolo. La prima fase della loro formazione è associata alle attività del teologo e predicatore Sant'Ambrogio di Milano (circa 340-397) - fu uno dei primi a comporre inni per i servizi divini. Ad Ambrogio si deve un'importante innovazione nella pratica della musica sacra: la divisione del coro in due composizioni situate ai lati opposti dell'altare. I cast si sono alternati cantando frammenti musicali tra i testi delle preghiere. Tali frammenti erano chiamati antifone (dal greco "antiphonos" - "suonare in risposta"), e il principio della loro esecuzione, basato sull'alternanza di due cori, era chiamato canto antifonale. A poco a poco ai testi più importanti furono assegnate antifone rigorosamente definite, la cui musica è stata creata sulla base di brevi melodie e canti già esistenti e noti. Il numero delle antifone, così come il numero dei canti, crebbe nel tempo, e divenne sempre più difficile per i cantori mantenerle nella memoria. Ecco perché all'inizio del VII secolo. tutto il materiale accumulato veniva immesso nel sistema e raccolto in una vasta raccolta denominata Antifonario Gregoriano. Il toponimo è associato al nome di papa Gregorio I (540-604 circa). La collezione di Papa Gregorio divenne la base per lo sviluppo di uno degli stili di musica sacra europea: il canto gregoriano.

Tutti i canti gregoriani sono rigorosamente monofonici. Le voci dei cantanti dovrebbero fondersi in un unico insieme a tal punto che il suono del coro sia il più vicino possibile al suono della voce di una persona. I mezzi musicali mirano a risolvere il compito principale: trasmettere uno stato speciale quando i pensieri della persona che prega sono focalizzati su Cristo e i sentimenti vengono portati in un equilibrio ideale, portando illuminazione e pace interiore all'anima. Le frasi musicali dei canti - estese, prive di bruschi salti nella melodia, accattivanti con l'uniformità del ritmo - portano una pace profonda e, allo stesso tempo, un movimento misurato e concentrato. Trasmettono il lavoro interiore e orante dell'anima in comunicazione con Dio e sono in perfetta armonia con l'architettura della chiesa cattolica, tutti i dettagli della quale sottolineano lo stesso movimento costante - in linea retta dall'ingresso all'altare.

La musica gregoriana si basa sul principio della diatonica (dal greco "diatonicbs" - "allungato") - una scala costruita sui suoni della scala senza aumenti o diminuzioni. Esisteva un sistema speciale di modi diatonici ecclesiastici che arrivò in Europa da Bisanzio e aveva origini antiche.

Il numero totale di tasti - otto - aveva un profondo significato spirituale. Era considerato un prodotto 2x4, dove il primo numero indicava la duplice essenza divino-umana di Gesù Cristo e il secondo le quattro estremità della croce. Pertanto, il sistema modale gregoriano simboleggiava il Cristo crocifisso.

La connessione tra musica e testo è costruita in modo speciale. Si basa su due tecniche entrate nel canto dall'antica tradizione del canto delle preghiere. Uno di loro si chiama salmodia(usato durante la lettura dei salmi): per un suono musicale c'era una sillaba del testo. Un altro trucco - anniversario(dal latino jubilatio - "rallegrarsi") - consisteva nel fatto che una sillaba veniva cantata in più suoni. Il canto gregoriano combinava in modo flessibile entrambe le tecniche.

Nel IX secolo apparve un altro tipo di canto gregoriano: sequenza La sequenza era originariamente un'aggiunta al giubileo dell'Alleluia. Successivamente, per una migliore memorizzazione delle melodie, le sequenze iniziarono ad essere sottotestate e ricevettero un secondo nome: prosa. Si presume che il termine letterario "prosa" abbia origine dalla tradizione di sottotesti antichi canti gregoriani. Divenute melodie religiose indipendenti, le sequenze più famose erano popolari anche nella vita di tutti i giorni. Due sequenze medievali occuparono un posto importante nell'opera dei compositori europei fino al XX secolo: questa sequenza Muore ira(sul Giorno del Giudizio) e sequenza per la Festa dei Sette Dolori di Maria - Stabat Mater.

Dall'inizio del X secolo, la polifonia iniziò a penetrare nella musica sacra. Le sue prime forme erano canti di chiesa eseguiti a due voci. Il principio per eseguire la prima polifonia era il seguente: sulla melodia principale del canto gregoriano, come veniva chiamato Canto fermo O tenore sopra è stata aggiunta una seconda e successivamente una terza voce (improvvisata o registrata).

Fu chiamato il tipo delle prime due voci nastro, perché entrambe le voci spesso suonavano in movimento parallelo in quarte e quinte perfette. Dal punto di vista delle leggi della musica medievale, tale movimento parallelo era la norma del suono, in contrasto con le regole della successiva armonia classica. La dipendenza dalla consonanza perfetta è spiegata dal fatto che, essendo i primi della serie armonica, questi intervalli sono più facili e convenienti da accordare nell'esecuzione vocale.

Lo sviluppo e la complessità delle forme dei canti della chiesa richiedevano una registrazione musicale più avanzata. Nella musica gregoriana è stato sviluppato un sistema speciale per registrare i canti. Inizialmente, erano designati da neumas (dal greco "pneuma" - "respiro") - segni convenzionali che trasmettevano la direzione generale dello sviluppo della melodia. Una registrazione non verbale somigliava a una sinossi, in cui sono indicati solo i punti principali e l'esecutore deve conoscere personalmente i dettagli.

Due linee (solitamente di colori diversi) venivano tracciate una sopra l'altra, indicando l'altezza dei suoni principali, e i neumi venivano scritti attorno o direttamente su queste linee.

All'inizio dell'XI secolo. Il musicista e teorico Guido della città di Apeuuo (992 circa - 1050 circa) rivoluzionò il sistema di registrazione introducendo altri due versi. I neuma iniziarono a essere posizionati su quattro linee e tra di loro, il che indicava l'altezza dei suoni in modo molto più accurato e dettagliato. Il sistema a quattro righe divenne il prototipo della moderna notazione musicale, basata su cinque righe.

Più o meno nello stesso periodo apparvero i nomi dei suoni di base: Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La. Queste erano le sillabe iniziali delle prime sei parole dell'inno latino scritto dal monaco Paolo Diacono in onore dell'apostolo Giovanni (era considerato il santo patrono del canto in chiesa). Successivamente la sillaba Ut fu sostituita dalla sillaba Do. Per un suono è apparso un altro nome: Si (formato dalle prime lettere della frase Sancte lohanne - "San Giovanni").

Dal 12 ° secolo I canti gregoriani iniziarono a essere registrati nel cosiddetto. notazione corale o quadrata. Questa registrazione dava un'indicazione specifica dell'altezza, ma non rifletteva il lato ritmico della musica.

L'emergere della polifonia e il successivo sviluppo della polifonia vocale implicarono il suono di diverse voci melodiche con ritmi diversi. Ciò richiedeva una fissazione ritmica precisa di ciascun suono. Pertanto, nel 13 ° secolo apparve notazione mensurale, in cui a ogni suono è stata assegnata la durata richiesta al momento.

Già nell'XI secolo si era sviluppata una forma ciclica nella vita della chiesa, che fino ad oggi costituisce la parte più importante del culto cattolico. Stiamo parlando della Messa, divenuta parte integrante sia dei servizi quotidiani che festivi. La Messa viene eseguita in latino e prevede una serie di canti obbligatori. I seguenti cinque canti sacri sono diventati canonici:

Kyrie eleison: Signore, abbi pietà

Gloria in excelsis Deo – Gloria a Dio nell'alto dei cieli

Credo in unum Deum - Credo in un solo Dio

Sanctus Dominus Deus Sabaoth - Santo è il Signore Dio degli eserciti e Benedictus qui venit in nominee Domini - Benedetto è colui che viene nel nome di Dio

Agnus Dei qui tollis peccata mundi – Agnello di Dio che toglie i peccati del mondo

Le prime messe erano monofoniche ed eseguite senza accompagnamento strumentale. Nelle prime messe si distinguevano due tipi di canto: salmodico - simile per natura al recitativo e inno - più melodioso. Nel suono delle sezioni Gloria e Credo, si è sempre più affermato uno stile di esecuzione melismatico vicino all'anniversario. Il materiale musicale principale per le prime messe era il canto gregoriano. A partire dal XIV secolo, già nelle messe polifoniche, i canti gregoriani furono usati come Cantus firmus e posti in tenore.

La comunità ha preso parte all'esecuzione delle prime messe, quindi le intonazioni delle canzoni popolari sono penetrate in molti canti. In tempi successivi, i compositori usarono talvolta anche le melodie di canti secolari con il testo canonico delle preghiere come Cantus firmus. Tali messe erano chiamate parodie o messe parodistiche. Il significato originale della parola “parodia” è prestito. Le autorità ecclesiastiche erano ambivalenti riguardo alla penetrazione dei generi secolari nella musica sacra. A volte ciò provocava proteste contro la sua secolarizzazione, a volte veniva visto come un mezzo per attirare i laici nella chiesa.

Dal 12 ° secolo, è diventato uno dei generi principali della musica vocale sacra e, in parte, secolare mottetto. Per la prima volta, le voci dei ragazzi iniziarono a essere coinvolte nell'esecuzione dei mottetti, insieme alle voci degli uomini. La polifonia ha dato origine a generi musicali come la direzione e il mottetto. Nel genere della conduzione (dal latinoductus - "conduttore") furono create opere spirituali e secolari per accompagnare cortei e processioni cerimoniali; i testi per i direttori d'orchestra erano scritti in latino. In un mottetto (mottetto francese, da mot - "parola") ogni voce aveva il proprio testo, e talvolta i testi per le voci erano scritti in lingue diverse. I mottetti, come i direttori d'orchestra, erano usati sia nella musica sacra che in quella secolare.

Quindi, lo sviluppo del canto gregoriano nel Medioevo passò da una voce sola (monodia) a forme piuttosto complesse a 2, 3, 4 voci in organum, direzioni e mottetti. L'emergere della polifonia vocale pose il compito di classificare le voci cantate. La specificità dei loro nomi rifletteva la posizione dell'altezza delle voci rispetto al tenore, la voce principale. Oltre al tenore, c'era una voce chiamata controtenore, situata di fronte al tenore. In una presentazione a tre voci, a seconda della sua posizione, questa voce veniva chiamata controtenore - altus(voce sopra il tenore), o controtenore – basso(voce sotto il tenore). A quattro voci veniva chiamata la voce più alta diskanto- cioè. “spostandosi verso l’alto rispetto all’argomento (tenore).” Da questi nomi sono emerse nel tempo le consuete designazioni delle voci di una partitura corale: acuti (poi soprano), contralto, tenore, basso.

Nel corso del tempo, i maestri iniziarono a utilizzare attivamente strumenti musicali per accompagnare il canto polifonico. Nell'opera del compositore francese Guillaume de Machaut (circa 1300-1377), alla voce a volte veniva data solo la voce principale e tutte le altre voci erano strumentali. Questo maestro usava spesso una tecnica simile soprattutto nelle opere secolari.

La formazione di generi e forme di musica secolare è avvenuta sulla base della tradizione popolare. È molto difficile da studiare, poiché raramente venivano registrati canti e balli. Ma qualche idea su di loro può ancora essere formata, prima di tutto, dal folklore urbano. I principali interpreti di musica popolare nelle città erano attori itineranti.

Si sono esibiti in diversi ruoli contemporaneamente: come musicisti, ballerini, maestri della pantomima e acrobati; recitato brevi scenette. Tali attori hanno preso parte a spettacoli teatrali che si sono svolti nelle strade e nelle piazze - a spettacoli misteriosi, spettacoli di carnevale e giullari, ecc. L'atteggiamento della Chiesa nei loro confronti era piuttosto diffidente. "Una persona che lascia entrare ... mimi e ballerini nella sua casa non sa quale grande folla di spiriti impuri entra dietro di loro", scriveva alla fine dell'VIII secolo. mentore spirituale dell'imperatore Carlo Magno, l'abate Alcuino. I timori dei leader della Chiesa non erano così infondati come a volte sembra. I campioni di canzoni e danze degli Spielmann (attori e musicisti tedeschi erranti) che ci sono pervenuti, semplici nella forma, pieni di intonazioni luminose e festose, portano un'enorme carica di energia tempestosa e sensuale, che potrebbe facilmente risvegliarsi nelle persone non solo gioia, ma anche distruzione dell'istinto grezzo. L'arte popolare incarnava sia il lato chiaro che quello oscuro dell'anima dell'uomo medievale: sfrenatezza, durezza, capacità di dimenticare facilmente gli alti ideali spirituali del cristianesimo.

Il periodo di massimo splendore della musica secolare professionale nei secoli XII-XIII. associato principalmente alla cultura della cavalleria: l'aristocrazia militare del Medioevo europeo. Entro la metà del XII secolo, in Provenza, una delle province più ricche e culturalmente interessanti della Francia, si formò l'opera di poeti e cantanti: i trovatori. La parola "trovatore" deriva dall'espressione provenzale art de trobas - "l'arte di comporre", e può essere approssimativamente tradotta come "inventore", "scrittore".

Musicalmente, il lavoro dei trovatori è stato probabilmente seriamente influenzato dalle tradizioni popolari. Tuttavia, hanno dato maggiore morbidezza e raffinatezza alle intonazioni popolari aperte, spesso audaci. Il ritmo delle composizioni, anche a ritmo sostenuto, mantiene regolarità e grazia, e la forma si distingue per profonda premurosità e proporzionalità.

La musica trovatrice è disponibile in una varietà di generi. Opere epiche chiamate canzoni sulle azioni(francese: chansons de geste). Di solito venivano scritti sulla base dei testi della "Canzone di Roland" - un poema epico (XII secolo) che raccontava le campagne di Carlo Magno e il tragico destino del suo fedele cavaliere Roland. Le scene idilliache della vita rurale erano narrate da personaggi gentili e gentili. pastorelli(dal francese pas-tourelle - "pastorella"). (Più tardi, sulla base di essi, sarebbe nata una pastorale - un'opera d'arte che mostrava l'unità dell'uomo con la natura.) C'erano anche canzoni con contenuto morale - tensoni(dalla tensione francese - "tensione", "pressione").

Tuttavia, il tema principale nella musica e nella poesia dei trovatori rimaneva il tema dell'amore, e il genere principale lo era "canzoni dell'alba"(Canzoni francesi 1 "aube). Di regola, cantano il dolce momento dell'incontro notturno di un cavaliere con la sua Bella Signora. Le melodie delle canzoni affascinano con la loro flessibilità e composizione squisitamente chiara. Di solito sono costruite su brevi, spesso motivi ripetuti, ma queste ripetizioni non sono sempre evidenti: sono così magistralmente collegate tra loro che danno l'impressione di una melodia lunga e in continua evoluzione. Questa sensazione è notevolmente facilitata dal suono della lingua francese antica con le sue vocali lunghe e consonanti morbide.

Trovatori erano persone di origini diverse: sia cittadini comuni che aristocratici (ad esempio, il duca d'Aquitania Guillaume IX, il barone Bertrand de Born). Tuttavia, indipendentemente dall'appartenenza sociale, tutti hanno mostrato l'amore ideale tra un uomo e una donna, l'armonia tra il sensuale e lo spirituale nella loro relazione. L'ideale dell'amata del cavaliere trovatore è una donna terrena, ma con la sua purezza, nobiltà e spiritualità dovrebbe assomigliare alla Vergine Maria (spesso nella descrizione della Bella Signora si può sentire il sottotesto: l'immagine nascosta della Madre di Dio) . Nell'atteggiamento del cavaliere verso la Dama non c'è nemmeno l'ombra di sensuale sfrenatezza (molto caratteristica della morale dell'epoca), si tratta piuttosto di reverente ammirazione, quasi di adorazione. Nel descrivere tali relazioni, la poesia dei trovatori ha trovato sfumature sorprendentemente sottili e la musica ha cercato di trasmetterle accuratamente.

Un altro fenomeno interessante della cultura secolare professionale dell'Europa occidentale è la creatività Trovatori, cantanti e poeti della Champagne, delle Fiandre, del Brabante (parte del territorio della moderna Francia e Belgio). La parola "trouver" ha un significato vicino al nome "troubadour", ma deriva dal verbo francese antico trouver - "trovare", "inventare", "comporre". A differenza dei trovatori, i trovatori erano più vicini alla vita cittadina, più democratici nelle loro forme, e la fioritura della loro creatività avvenne nella seconda metà del XIII secolo, quando la cavalleria cominciò gradualmente a svanire in secondo piano nella vita sociale. Particolarmente apprezzato era il maestro della città di Arras, Adam de la Halle (detto Adam le Bossu, intorno al 1240 - tra il 1285 e il 1288). Compose canzoni d'amore e scene drammatizzate, che di solito erano accompagnate da musica (vedi l'articolo "Teatro medievale dell'Europa occidentale"). Vicino all'arte dei trovatori francesi è l'opera dei poeti e musicisti cavallereschi tedeschi - i Minnesinger (tedesco: Minnesinger - "cantante dell'amore"). I più importanti sono Wolfram von Eschenbach (circa 1170 - circa 1220) e Walter von der Vogelweide (circa 1170-1230). L'arte dei Minnesinger suscitò un così grande interesse che nel 1207 fu addirittura organizzata una competizione tra loro nella città di Wartburg. L'evento in seguito costituì la base di una trama popolare nella letteratura e nella musica romantica; in particolare questa competizione è descritta nell'opera “Tannhäuser” del compositore tedesco Richard Wagner.

Il tema principale dell'opera dei Minnesinger, come i trovatori, è l'amore, ma la musica delle loro canzoni è più severa, a volte anche aspra, concentrata e piena di riflessioni piuttosto che di sentimenti appassionati. Le melodie dei Minnesinger affascinano con la loro semplicità e laconicismo, dietro le quali si nasconde una profondità spirituale che permette loro di essere paragonate ai migliori esempi di musica sacra.

Argomento della lezione: Musica profana e sacra

Tipo di lezione: lezione sull'espansione e l'approfondimento della conoscenza

Lo scopo della lezione: rivelare l'essenza della musica secolare e sacra; coltivare l'amore per la musica; sviluppare l'indipendenza e l'attività; formazione della cultura musicale.

Durante le lezioni:

Momento ORG

Ripetizione del materiale coperto.

A quali generi musicali è associato il concetto di drammaturgia musicale? (opera, balletto, operetta, musical, oratorio, film musicale e musica sinfonica)

Cosa significa sviluppo?

Quali modi di sviluppare la musica conosci (ripetizione, variazione, sequenza, imitazione)

^ IMPARARE NUOVI MATERIALI

La cultura musicale si è sviluppata nell'interazione di due direzioni principali: secolare e spirituale, chiesa. La musica secolare nelle sue origini si basava sulla cultura del canto e della danza popolare. La musica sacra è sempre stata associata al culto.

I primi musicisti professionisti - compositori, teorici, artisti (cantanti, strumentisti) - fino al XVIII secolo, di regola, servivano come maestri di banda e organisti presso le corti di monarchi, principi e arcivescovi. Potevano comunicare con un'ampia cerchia di ascoltatori solo in chiesa.

La musica sacra affronta sempre i temi della Sacra Scrittura. La drammaturgia delle immagini della sofferenza, della morte e della risurrezione di Cristo è la base per lo sviluppo della musica sacra. Nel rituale della chiesa, la musica e la parola, in unità con altri tipi di arte, determinano l'integrità dell'azione drammatica, costruita sui contrasti di varie immagini. Nella Chiesa ortodossa orientale, questa è la liturgia e la veglia notturna, il matrimonio e il servizio di preghiera, le cui origini risiedono nel canto Znamenny. Nella Chiesa cattolica occidentale: messa, requiem, passione, cantate, ecc. Si basano su canti corali e polifonici accompagnati da un organo o un'orchestra.

La parola biblica e la sua rifrazione nelle melodie dei canti della chiesa determinarono l'alto potere artistico e morale dell'influenza della musica sacra. Temi religiosi e forme di musica sacra predominano nell'opera del compositore tedesco J.-S. Bach e il compositore russo M. Berezovsky. Bach scriveva molto spesso musica per organo e coro, e Berezovsky scriveva per un coro a cappella. Grazie alla polifonia, l'idea principale di ciascuna delle loro composizioni riceve uno sviluppo profondo e sfaccettato. Contenuto del coro “Kyrie, eleison!” da “Messa solenne” di J.-S. Bach e la prima parte del concerto spirituale “Non respingermi nella mia vecchiaia” di M. Berezovsky si svolge in una perfetta forma polifonica: una fuga.

Ricorda le melodie della musica sacra e secolare che ti sono familiari.

Ascolta e confronta i cori nominati di Bach e Berezovsky.

Quale tecnica di sviluppo stai ascoltando qui? (imitazione)

Che ruolo gioca la tecnica dell'imitazione nello sviluppo delle immagini musicali?

^ Musica secolare. Dal XVI secolo Comincia a svilupparsi la musica da camera (dal latino: Camera room). Quindi, a differenza della chiesa e del teatro, chiamano musica secolare strumentale o vocale. Dalla metà del XVIII secolo. La vita concertistica secolare, libera dall'influenza della chiesa, si sta intensificando. Il numero di orchestre, ensemble e concerti solistici è in aumento. Nelle opere dei compositori classici viennesi - Haydn, Mozart, Beethoven e altri - si formarono tipi classici di ensemble strumentali: sonata, trio, quartetto, ecc.

Scritta per un piccolo gruppo di esecutori, la musica da camera veniva eseguita nelle case o presso le corti dei nobili nobili. Gli artisti che lavoravano negli ensemble di corte erano chiamati musicisti da camera. A poco a poco, la musica da camera iniziò ad essere eseguita non solo in una ristretta cerchia di intenditori e amanti della musica, ma anche in grandi sale da concerto.

Esistono numerose miniature vocali e strumentali da camera di compositori romantici del XIX secolo. Questi includono canzoni di F. Schubert, canzoni per pianoforte senza parole di F. Mendelssohn, capricci di N. Paganini, valzer, notturni, preludi, ballate di F. Chopin, romanzi di M. Glinka, opere di P. Tchaikovsky e molto altro.

Consolidamento e riassunto della lezione

Materiale ripetuto DZ

Caratteristiche distintive dell'arte ecclesiastica e mondana (secolare, secolare).

Quindi, l'arte è una forma specifica di riflessione, padronanza della realtà o un modo di esprimere in forma artistica le idee, i principi e le aspirazioni spirituali di una persona. Ne consegue che, a seconda di quali idee, principi e norme costituiscono la base della visione del mondo di una persona che riflette, esprime o padroneggia questa realtà in forma artistica, tale sarà la natura dell'arte.

Se la visione del mondo di una persona e le aspirazioni della sua anima hanno un vettore secolare, allora i risultati della sua attività creativa avranno un carattere secolare o secolare. Nei casi in cui il maestro guarda il mondo non con occhi carnali (“carnali”), ma con “occhi intelligenti” e ha una “visione intelligente” del mondo, come dicevano i Padri, allora il risultato delle sue aspirazioni creative sarà rivolto al Creatore e permeato di Grazia. Perché L’arte ecclesiale-cristiana nella sua essenza riflette l’esperienza di preghiera di una persona e a seconda di quanto profonda è questa esperienza, di quanto una persona è immersa nella preghiera, la sua creatività sarà così spiritualmente espressiva e piena di grazia.

Analizziamo le caratteristiche essenziali e la natura dell'arte secolare e ecclesiastica-cristiana.

Va notato che i ricercatori moderni, ponendo la domanda sull’essenza dell’arte in quanto tale, insistono sul fatto che l’identificazione dell’arte con l’estetica “ci sembra inaccettabile, perché se, da un lato, semplifica il problema, dall’altro dall’altro limita l’ambito dell’esperienza estetica, astraendo e isolando la realtà dell’arte” (Banfi. A. Filosofia dell’arte. M. Art. 1989. – P. 358). Tuttavia, questa base extra-artistica la videro, ad esempio, lo scrittore Schiller e il filosofo Spencer gioco . Spencer considerava la natura giocosa dell'arte come divertimento causato dalla necessità di ripristinare la forza fisica del corpo umano. Per Schiller la natura ludica dell’arte si riduce a una “dialettica ironica per riposare lo spirito”, una sorta di distrazione dal lavoro abituale. Ecco perché, come scrive A. Banfi, “nell'arte come mezzo di espressione c'è un'atmosfera fascino , innaturalità , qualcosa artificiale , direi quasi qualcosa magico , in cui, apparentemente, solo la bellezza dovrebbe manifestarsi per noi” (-P.34). C'è anche un'interessante conclusione che questo autore trae sulla base del materiale analizzato: “Ogni opera d'arte è, in un certo senso, una specie di idolo, lo stesso idolo che i peccatori hanno modellato con le proprie mani per adorarlo ” (-P.35). E ancora: «Ogni opera d'arte è infatti tale solo per il senso di spiritualità che irradia, per la rivelazione che contiene, rivelazione che non si riduce a nessun aspetto del mondo o a valori personali, ma è riflesso di la presenza nel mondo e la personalità dello spirito che in questo modo designò una nuova fonte della sua vita ideale”. spirito presente nel mondo e nell’individuo”, quali sono i compiti e qual è l’essenza dell’arte? Si scopre che la sfera dello spirito per lui è la sfera della vita artistica: “Solo nell'ambito della vita artistica l'artista agisce come artista, cioè come creatore: il suo genio miracoloso consiste proprio nella partecipazione a questo vitale bisogno, estraneo a qualsiasi inclinazione personale, libero da umori pubblici e schematismi idealmente astratti: nella dolorosa ricerca della soluzione dei propri problemi specifici” (-P.37). Ecco perché l’arte ha la vita come fonte e “si nutre di essa”. “L'arte non conosce altre norme, altre tradizioni, oltre alla propria vita; non conosce altri problemi, altre soluzioni, se non quelle che la vita stessa propone alla realtà artistica nel suo continuo sviluppo” (- P.38).

Così, un maestro laico o un analista d'arte laico, senza negare la presenza della spiritualità e di un vettore spirituale nell'arte, lo vede nello sviluppo spontaneo e continuo della vita in quanto tale, che guida, nutre e ispira se stessa. Di conseguenza, solo studiando le leggi e le tendenze nello sviluppo di questa vita, dal punto di vista del pensiero secolare, è possibile comprenderla, rifletterla, esprimerla. Quanto più profondamente un artista e un pensatore riesce a penetrare nei segreti dell'universo, della vita in quanto tale, tanto più vividamente sarà in grado di esprimerlo e rifletterlo. Ciò ne sottolinea l'importanza padroneggiare i metodi e le tecniche di visualizzazione , così come lo sviluppo delle qualità personali e gli sforzi del creatore. La vita è ricca e sfaccettata e tutti la vedono attraverso il prisma proprio gusto, umore . Ecco perché già dal Rinascimento (Rinascimento) era così significativo e importante formare lo stile dell'autore, una calligrafia unica che indicherebbe l'unicità del maestro e della sua creazione. Pertanto, diventa la norma firmare il proprio lavoro dal maestro o indicare con l'aiuto di simboli chi è il suo autore. Quindi, dentro Nell'arte secolare, la forma espressiva esterna è subordinata alla rivelazione che è stata rivelata al maestro ed è stata rivelata al mondo attraverso il prisma dei suoi sentimenti ed esperienze. Tuttavia, una conseguenza naturale di questo stato d'animo è la seguente, ben nota tendenza nell'arte moderna: tanti punti di vista e stati d'animo, tanti stili, approcci, forme di espressione. Di conseguenza, l'arte secolare offre varietà di forme , stili e non riesce a immaginarsi al di fuori di questa diversità. Vanità.